Bienvenida

agradecemos tu visita y a la vez te invitamos a participar con tus comentarios y aportes artísticos.

visita el
portal
... y vuelve pronto

Análisis de una obra de arte al día

martes, abril 06, 2010

Retrato de Mrs. Graham

Artista:Thomas Gainsborough
1727 - 1788
Obra:Retrato de Mrs. Graham
Año:1777
Tamaño original:237 x 154 cm
Tecnología:Óleo sobre lienzo
Asunto: Retratos
Comentario:Retrato de Mrs. Graham: National Gallery de Escocia... la dama que aparece en la pintura tiene rasgos bastante delicados que la hacen muy bella, su vestido de color llamativo la hacen lucir bien, pero la expresión que lleva en el rostro demuestra que su estado anímico no es el mejor, se nota preocupada o triste. Las plumas utilizadas en el sombrero y la que sostiene en su mano derecha son muy agradables al mirar. Al artista no se le escapo ningún detalle ni siquiera el de los zapatos de la dama que por lo cierto hacen juego con el vestido .Cuando miramos detenidamente el rostro de la muchacha pareciera que espera a alguien.

Cupido, Amor vencedor

Michelangelo Merisi da Caravaggio

1573 - 1610
Obra:Cupido, Amor vencedor
Año:1601
Tamaño original:154 x 110 cm
Estilo: Barroco
Tecnología:Óleo sobre lienzo
Asunto:Ángel

Comentario: Cupido, Amor vencedor: es una obra en la en la que los instrumentos musicales pasan a segundo plato dándole prioridad a Cupido sus colores no son muy llamativos por lo cual le da un toque de antigüedad al mirar detenidamente la obra Cupido tiene una sonrisa que para algunos podría darle un toque de maldad son embargo para nosotros nos expresa ternura , llama la atención cada detalle en su cuerpo cada pliegue y cada tonalidad que se le da al cuerpo y a cada detalle en si dentro de la obra, a nuestro parecer la obra nos transmite ternura.

lunes, abril 05, 2010

Muchacha con turbante, La joven con la perla

Artista:Jan Vermeer van Delft
1632 - 1675
Obra:Muchacha con turbante, La joven con la perla
Año:1665
Tamaño original:47 x 40 cm
Estilo: Barroco

Tecnología:Óleo sobre lienzo

Asunto: Retratos

Comentario:La joven con la perla: Museo Mauritshuis de La Haya (Holanda) lo que nos transmite la obra es alegría, como su nombre lo dice lo que mas llama la atención es el pendiente de perla que lleva la joven se dice que es una de las obras maestras de su autor los ojos de la joven nos demuestra esperanza y tus labios tienen una forma muy delicada que le da armonía a la obra. Esta pintura también es conocida como la "mona lisa del norte".
Historia: La Joven de La Perla o Muchacha con Turbante (Johannes Vermeer, 1632 - 1675) La maestría que demuestra el pintor holandés para dar forma a la perla, es lo que la hace destacable, puesto que se limitó a realizar un sólo trazo en blanco sobre un fondo negro. De esta forma tan sencilla, pero con una excelente precisión, consiguió que su pintura se convirtiera en una obra de arte.


c.bravo-ndíaz

domingo, abril 04, 2010

Venus del espejo


Artista:Diego R. de Silva y Velázquez
1599 - 1660
Obra:Venus im Spiegel
Año:1646
Tamaño original:122,5 x 177 cm
Estilo:Barroco
Técnica:Óleo sobre lienzo
Asunto: Mitología

Comentario:Venus im Spiegel: dentro de las siete obras seleccionadas esta es mi favorita, es casi inexplicable la belleza de este cuadro la mujer realmente es hermosa y llama la atención su reflejo en el espejo que es sujetado por ese ángel, sus curvas son excepcionales a pesar de que no muestre su rostro definidamente ya que solo se ve a través del reflejo en el espejo, la cinta que tiene en las manos el ángel le dan un toque delicado al igual que el color de la piel de la mujer , se nota pura y limpia , cada centímetro de la mujer transmite paz, tranquilidad, armonía , relajación y un sin fin de sentimientos.

sábado, abril 03, 2010

El dibujante

Artista:Jean-Baptiste Chardin

1699 - 1779
Obra: El dibujante
Año: 1737
Tamaño original:81,5 x 65 cm
Estilo: Rococó

Tecnología:Óleo sobre lienzo

Comentario:El dibujante: se nota un joven tranquilo, sereno con muchos rasgos finos que lo hacen armonioso concentrado en lo que esta haciendo con una leve sonrisa en el rostro, demuestra su pasión por el dibujo
la dedicación que le entrega a su trabajo, realmente se nota que hace algo que le gusta por sus mejillas sonrojadas y la tranquilidad que transmite en la pintura cada detalle en la obra llama la atención, el colorido, la textura , el contenido en si produce algo que es agradable mirar.

viernes, abril 02, 2010

Retrato Leonardo Loredan


Giovanni Bellini (Giambellino)
Artista:Giovanni Bellini (Giambellino)
1430 - 1516
Obra:Retrato Leonardo Loredan
Año:1501
Tamaño original:61,6 x 45,1 cm
Estilo: Renacimiento

Tecnología:Óleo sobre madera

Asunto: Retratos

Comentario: Retrato Leonardo Loredan: National Gallery de Londres... en particular a nosotros la obra nos causa un poco de escalofríos ya que la mirada de de Leonardo Loredan es un poco fría y penetrante, sus ojos a medio cerrar, cada pliegue de su cara y su cuello delgado hacen que la obra e un poco de temor. A pesar de eso se notan los detalles de la obra la dedicación y el desempeño. A ojos de algunos lo que transmite la obra puede variar en la mezcla de sentimientos fríos o de temor aunque es admirable el trabajo hecho por "giambellino"
Historia:El dux Leonardo Loredan, es uno de los cuadros destacados del pintor Italiano Giovanni Bellini La ópera está firmada en la parte inferior mediante un pequeño cartel o cartellino: “IOANNES BELLINVS”, en latín.

Es un retrato, género que en Venecia se desarrolló más tarde que en la pintura toscana o flamenca; esta obra de Bellini "es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento".[1] El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521, año de su muerte. Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados

jueves, abril 01, 2010

Venus de Urbino


Venus de Urbino
Artista:Tizian (Tiziano Vecellio)

1488 - 1576
Obra:Venus de Urbino
Año:1538
Tamaño original:120 x 165 cm
Estilo: Renacimiento elevado

Tecnología:Óleo sobre lienzo

Asunto: Mitología

Comentario: Venus de Urbino: Gallería Degli Uffizi, Florence, Italy. Notablemente como en muchas obras de arte es resaltada la belleza de la mujer. en el cuadro podemos admirar la naturalidad de la mujer, a pesar de que sus cabellos estén sueltos solo cubren sus hombros dejando al descubierto su cuerpo desnudo esto hace que la obra sea llamativa dándole armonía al cuadro con el conjunto de que aparece en la pintura... se alcanza a notar un poco mas atrás de los pies a un can descansando y le da un toque a la obra.

Historia:Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre realizada en 1538 por Tiziano.
En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galleria degli Uffizi (Florencia).
La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda Semi tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora

jueves, marzo 26, 2009

Sagrada trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes
Autor: Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai (Masaccio )
Periodo: El Renacimiento


HISTORIA:
La Trinidad es un fresco realizado por el pintor italiano renacentista Masaccio. Su título completo es la Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes (en italiano, Santa Trinità). Está pintado en uno de los muros laterales de la iglesia de Santa María Novella de Florencia en Italia. Es quizá la obra más celebrada de Masaccio aparte de los frescos de la Capilla Brancacci. Las opiniones sobre la datación del fresco varían entre 1425 y 1428. Unas fuentes dan como altura 667 centímetros y otros 680, siendo la anchura de 317 cm. o 475.
Fue redescubierta en su integridad en 1861, después de ocultarse en el siglo XVI por un retablo de Vasari y un altar de piedra. Es considerada una de las obras fundacionales de la pintura en la Edad Moderna.
Los críticos del siglo XIX vieron en ella una revelación de los principios de Brunelleschi en arquitectura y el uso de la perspectiva, hasta el punto de que algunos creyeron que Brunelleschi intervino directamente en el diseño de la obra (haya intervenido directamente o no, de todos modos se piensa que Brunelleschi al menos le enseñó conceptos y técnicas de perspectiva a Masaccio). Cuando se ejecutó, no se había construido aún ninguna Bóveda de cañón. La obra recuerda a las primeras obras de la arquitectura del Prerrenacimiento como San Lorenzo de Brunelleschi y el tabernáculo de San Luís en la iglesia de Orsanmichele.
La pintura representa el dogma de la Trinidad, en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento.

La Trinidad destaca por su inspiración, tomada de los antiguos arcos triunfales romanos y la estricta adhesión a los recientes descubrimientos en materia de perspectiva , con un punto de fuga al nivel del espectador, de manera que, como lo describe Vasari[ "una bóveda de cañón dibujada en perspectiva, y dividida en cuadrados con rosetones que disminuyen y está trazado con unas líneas que se van reduciendo tan bien hechas que parece que hay un agujero en el muro." Con este fresco, Masaccio alcanza la perfección absoluta de la perspectiva. El uso que hace Masaccio de la perspectiva hace que la composición sea un auténtico trompe l'oeil o trampantojo que hace parecer que el muro está efectivamente perforado. El fresco tuvo un efecto transformador sobre generaciones de pintores florentinos y artistas visitantes. El observador se identifica directamente con el mundo pictórico gracias al tamaño natural de las figuras y la coincidencia del punto de vista en el espacio real y en el cuadro.
La única figura que no tiene una ocupación del espacio plenamente lograda en tres dimensiones es el Dios majestuoso que soporta la Cruz, considerado un ser inconmensurable. Las figuras de los dos donantes, habiéndose indicado como posibilidades miembros de la familia Lenzi o, más recientemente, Berto di Bartolomeo del Bandeario y su esposa Sandra. Estos donantes representan otra importante novedad, ocupando el espacio propio del espectador, en frente del plano de la pintura, que está representado por las columnas jónicas y las pilastras de las que la falsa bóveda parece surgir. Su postura es la tradicional para los donantes: rezando, pero a tamaño natural y es digna de mención la atención puesta en el realismo y el volumen.
Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol bajo el cual se ve un esqueleto yacente. Una visión de detalle del esqueleto en el sarcófago revela también la antigua advertencia, en claras letras: IO FU GIÀ QUEL CHE VOI SETE: E QUEL CHI SON VOI ANCOR SARETE (FUI LO QUE TÚ ERES Y LO QUE YO SOY TÚ SERÁS).
La interpretación más habitual de la Trinidad es que la pintura enlaza con la conexión medieval tradicional de la capilla con el Calvario, Κρανιου Τοπος (Kraniou Topos) en griego o Gólgota en arameo, palabras todas ellas que significan calavera. La tumba en la parte inferior puede ser de los donantes o de Adán. También puede significar el viaje que debe realizar el espíritu humano para alcanzar la salvación, alzándose sobre la vida terrenal y cuerpo corruptible a través de la oración (los dos donantes) y la intercesión de la Virgen y San Juan Evangelista ante la Trinidad. La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).
Comentario:
Para mi esta es una de las mas grandes obras del renacimiento (si es que no es la más importante) ya que en esta por primera vez en la historia se utilizo el principio de la perspectiva creado por Brunelleschi, el cual le da a esta obra un realismo tremendo, lo que hace parecer que fuera casi parte del mismo lugar en donde esta pintada, esto da un sentimiento muy especial a la persona que observa esta obra, ya que el pintor, aparte de utilizar técnicas de pintura, utiliza la ciencia a favor al arte, lo cual es muy relevante decir ya que fue uno de los primeros pintores en hacerlo.
Esta obra además de mostrar grandes técnicas de pintado y ciencia, también muestra un gran sentido de religiosidad y amor al espacio natural (como es común en el renacimiento), ya que el ambiente en el que esta pintada es una continuación del mismo ambiente real. En el caso religioso se puede apreciar que esta llena de el, ya que Dios (la silueta que esta sobre Jesús crucificado) se escapa a todas las leyes, tanto de la ciencia, como de la pintura.
Esta obra es recomendada para cualquiera, no solo por ser una pintura antigua con diferentes estilos de pintado, sino también por tener gran valor espiritual, y tener una simbiosis perfecta con la ciencia.


fcalderón-3científico-09

miércoles, marzo 25, 2009

EL DOBLE SECRETO



René Magritte (Belga).
Surrealismo
1927, óleo sobre tela, 114 x 162cm,
Museo nacional de arte moderno, París

  • Los pintores surrealistas se interesaron en todo lo que sobrepasaba a la realidad común: el inconsciente, el sueño, la imaginación, las alucinaciones. Crearon nuevas imágenes y observaron de otro modo las existentes*

René Magritte al igual que la gran mayoría de los representantes del estilo Surrealista intentaba descubrir el funcionamiento real del pensamiento, es decir estar cuestionándose continuamente y sin dejar problemas inconclusos sino que idear soluciones y de la misma forma dar mayor libertad a los hombres a través del arte. Los surrealistas pensaban que su sociedad contemporánea aprisionaba al individuo, limitaba las expresiones de su personalidad y destruía su poder de creación.
Por ese motivo es muy importante este estilo artístico en la vida del ser humano y en su afinidad con la ciencia, ya que si los artistas no hubiesen pensado más allá de lo normal y si no hubieran sido los “revolucionarios” de su época por querer crear nuevas obras distintas a sus antecesoras hoy no tendríamos soluciones a múltiples de los problemas que nos son cotidianos y fáciles de solucionar gracias a la ciencia.

“El doble secreto”, pintura creada por el pintor René Magritte en 1927, es sin dudas un claro reflejo de lo anteriormente mencionado, al analizar su obra nos damos cuenta que el individuo que aparece en ella, en su cara interior tiene un contenido inesperado, este contenido simboliza el contenido de una lata conservera y el rostro es la lata misma; esto quiere decir que el pintor escapó a la realidad y pensó más allá , este es el tipo de pensamiento que han hecho que la ciencia se haya desarrollado hasta lo que hoy conocemos como tal. Por ello los pintores surrealistas como Magritte son artistas con mente de científicos o simplemente científicos que amaban el arte.

Todas las obras surrealistas se enfocan de esta forma; intentan escapar a la realidad o adelantarse a los hechos, o poner en duda las leyes de la física u otras ciencias, esto se ve manifestado por ejemplo en pinturas de Salvador Dalí



donde los objetos se alargan, se deforman, se transforman en otros objetos, para muchos críticos puede ser simplemente algo dibujado y pintado al azar pero en realidad el artista libera al individuo que hay al interior de él y expresa su personalidad más profunda en sus obras. Abriéndose así a las infinitas posibilidades que nos tiene reservada la vida; lo mismo que trata de revelar la ciencia con sus fórmulas y nuevas leyes

Finalmente también se podría decir que la ciencia como tal es un arte, el arte de mirar más allá y suponer hipótesis para después ser comprobadas de la manera más precisa posible.

Jrojas-3a-2009

martes, marzo 24, 2009

Noche estrellada



“noche estrellada”1889
Vincent van Gogh (1853-1890)
impresionismo
73,7 cm × 92,1 cm MOMA, Nueva York,
Estados Unidos

La pintura “noche estrellada” es una de las más famosas obras de astronomía creadas en la pintura, fue realizada por Vincent van Gogh en el sur de Francia en 1889. Esta obra es de carácter figurativo pero no realista de presentación postimpresionista.
Este cuadro muestra una vista exterior durante la noche desde la ventana del manicomio” Saint Remy de Provence” donde se recluyo tras uno de sus frecuentes ataques.
Van Gogh amaba la noche y esta fue una gran oportunidad para poner a prueba una nueva técnica. Luz nocturna que a el le fascinaba y que encontraba que daba mucho mas tonos y una mayor intensidad a lo colores.
La noche era idónea pero representaba su estado de desesperación y desconsuelo en el que se hallaba causado por los ataques de locura.

En esta obra se aprecia que todo lo que hay esta en un constante movimiento se ven reflejadas las nubes y al mirar y pensar todo gira en torno a ellas, esta da a conocer el paso desesperado y rápido de la vida y que se introdujo en su propio agujero negro y que nadie le puede hacer cambiar su percepción de la vida. También pienso si se llegara a revivir las imágenes del pasado, de sentir el mar chocar con las nubes de poder palpar el viento seria algo extraño pero que en realidad cada persona se lo imagina y que alguna ves en la vida ocurrirá.

Frojas-3a-2009

lunes, marzo 23, 2009

Expulsión




Miguel Ángel pintó esta escena en la Capilla Sixtina. Representa simultáneamente el Pecado Original y la expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal, dos momentos que en la narración bíblica se encuentran claramente divididos, mostrando juntos la causa y el efecto. Ambos episodios se hallan separados por el árbol del bien y del mal, en torno al que se enrolla la serpiente que tienta con el fruto prohibido a Eva, quien desobedeciendo a la orden del Señor, lo agarra y se lo come, tras ofrecerlo también a su compañero. En otro lado del recuadro, los progenitores, expulsados por un ángel con la espada desenvainada, se alejan del Paraíso terrenal, adolorados y encorvados por el remordimiento del pecado cometido.

COMENTARIO:
La relación entre arte (actividad y el producto mediante los que el ser humano expresa ideas, emociones o una visión del mundo) y ciencia (conocimiento) es:
figura de Eva aparece en todos ellos como culpable, desobediente y única responsable de la perdida del paraíso.
A lo largo de la historia de la humanidad la creencia en este relato se ha utilizado para justificar las desigualdades y la falta de crédito de las mujeres, culpabilizadas y estigmatizadas por esta narración.
Finalmente, Miguel Ángel representa simultáneamente el Pecado original y la expulsión de Adán y Eva del Paraíso, destacando que la serpiente posee cabeza humana: la de una mujer, la cual también significa que la envidia ya existía en el mundo.

Sbravo-3a-2009

sábado, marzo 21, 2009

La creación de Adán




Esta obra fue pintada por Miguel Ángel alrededor del año 1511 donde se realizo en diecisiete jornadas.
La obra lustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.
Varias hipótesis han surgido en torno al significado de la composición original de La Creación de Adán. Muchas de éstas toman la bien documentada experiencia de Miguel Ángel en la anatomía humana como punto de partida. En 1990, un doctor llamado Frank Lynn Meshberger publicó en Diario de la Asociación Médica Norteamericana que las figuras y sombras representadas atrás de la figura de Dios aparecían como una acertada representación del cerebro humano incluyendo el lóbulo frontal, el quiasma óptico, el tronco del encéfalo la hipófisis (o glándula pituitaria) y el cerebelo. Alternativamente, ha sido observado que el manto rojo alrededor de Dios tiene la forma del útero humano y que la bufanda verde que cuelga de él, podría ser un cordón umbilical recién cortado. Otras personas también creen que la imagen de Eva puede ser vista como parte de Adán, pues su pierna derecha puede representar el torso y la parte superior de su rodilla el pecho.
Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos, junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del Renacimiento.
En si esta pintura no tiene características de ser una obra que relacione directamente el arte con la ciencia, pues bien este concepto científico hay que analizarlo detalladamente como lo realizo el doctor norteamericano, y encontrarlo en los pequeños detalles. Es necesario tener una mente amplia y reconocer estos aspectos, así darse cuenta que la obra posee una relación con las ciencias.
Ffarías-3a-2009

viernes, marzo 20, 2009

Adan y eva



Óleo sobre tabla.
Renacimiento.
209 cm x 81 cm y 80cm.
Museo de Prado-1507

El autor de esta obra es el alemán Alberto Durero. Creada en 1507.
Alberto pinto esta obra después de volver del su segundo viaje a Venecia. “Adán y Eva” estuvieron como propiedad del coleccionista Rodolfo ll en el castillo de Praga, que en la Guerra de los Treinta Años fue saqueado quedando como propiedad de la Reina Cristina de Suecia, quien las regalo al príncipe Felipe lV .Estos Cuadros junto a otras se mantuvieron escondidos en la academia de San Fernando, en 1777.Luego en 1827 pasaron al Museo de Prado. Sin embargo se exhibieron públicamente en 1833 por tratarse de desnudos.

Características
Son los primeros desnudos en la época del renacimiento europeo.
El artista con esta obra demuestra su gran habilidad como dibujante, ya que se ve como el pintor profundizó en el tema de la anatomía humana. En esta pintura se ve representada la perfección de la belleza ideal por Durero y su búsqueda por el color absoluto.

Comentario
Me interese por esta obra ya que tiene directa relación con la ciencia y el arte.
Ya que ha sido una pregunta muy cuestionada el “como se creo la especie humana”.
También me gusta como el autor de esta obra mostró sus dotes de dibujante de el cuerpo humano, en como pinto cada detalle de Adán y Eva.

jueves, marzo 19, 2009



La muerte de Jumbo
Sue Coe
Inglesa

Después de tres años de viajar con "El mejor espectáculo en la Tierra," Barnum perdió su súper estrella el martes, 15 de septiembre de 1885 en St. Thomas, Ontario. Jumbo, mientras camina de vuelta al circo en tren en la línea principal del Gran troncal ferroviaria, fue alcanzado y muerto por un tren de carga.

Esta obra me da a entender la vida que tiene el circo y los peligros que corren los animales y personas al momento de que se trasladen de una cuidad a la otra. Esta obra al observarla por el lado de la ciencia se puede explicar por la muerte de los elefantes y de la persona en el momento del traslado de animales.

Smiño-3a-2009

miércoles, marzo 18, 2009



Obra Creada por el pintor Pablo Picasso, durante los meses de Junio-Julio del año 1907, realizada con técnica de óleo sobre tela y estilo cubista, sus medidas son de 243.9 x233, 7 cm. Y que actualmente se encuentra en el museo de Nueva York.
Pablo Picasso hizo de esta obra uno de los comienzos de un nuevo movimiento artístico desarrollado durante los años 1907y 1914, denominado Cubismo , que fue encabezado por Pablo Picasso , junto a Georges Braque y Juan Gris ; esta tendencia es esencial al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.
El Cubismo es un arte mental , que se desliga completamente de la interpretación o validez de la naturaleza , las obras tienen valor por si mismas , por medio de la expresión de diferentes ideas, las obras se basan en la descomposición de la figura con sus partes mínimas , en planos que hacen que tenga diferente puntos de vista , rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de la realidad , las figuras geométricas son parte principal de la creación de una de estas obras que traducirán al lienzo de una forma simplificada; los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.
Este cuadro marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, ya que Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo en donde es reducida toda la obra en un conjunto de planos angulares. Como análisis de esta obra podemos decir que los aspectos más cubistas son aquellos en que asemejan mascaras, representadas como la influencia del arte africano, las primitivas esculturas ibéricas, y pinturas egipcias. Los tonos que son más notorios son ocres-rojizos y que la idea de la creación de esto se debe a una representación de un prostíbulo en el cual se adivino de acuerdo a las conversas que tenía Picasso con sus amigos y personas cercanas.
Esta obra se considera como el inicio del arte moderno y una nueva etapa en la pintura del siglo XX.
Mi comentario acerca de esta obra puede variar de acuerdo al sentido en que la apreciemos o analicemos , pero sin embargo lo esencial de esta obra es que es una en la que claramente podemos apreciar el arte de una nueva tendencia que comenzó esos años como fue el Cubismo; que a pesar de ser un movimiento nuevo ayudo a demostrar mediante esta obra este nuevo estilo como una manera nueva de generar arte , que a mi persona me parece muy especial , ya que es en ella donde olvidamos completamente los que son los retratos realistas , las formas especificas de la naturaleza , de los colores , luces y sombras, que podemos expresar en una diferente imagen , es lo hace que sea particular ya que sale completamente de los rangos sublimes en que la podamos encontrar .

fmiño-3a-2009

martes, marzo 17, 2009



Parlamento de Londres
Claude Monet (Francés)
Impresionista-1904

Monet fue un pintor puramente impresionista y eso lo podemos percatar ya que en sus obras el trataba de plasmar la luz (la impresión visual) y el instante correspondiente, que eran característicos de las pinturas de la época. De todos los impresionistas Monet practicó con mucho énfasis el pleinerismo (deriva del francés plein-air “aire pleno, total”) o en nuestros términos la pintura al aire libre. Monet fue un destacado pintor de su época por que era capaz de plasmar a “brochazos” los efectos de la luz sobre los objetos, cambios, y vibraciones de la luz lo que destacaba a sus pinturas como obras vitales.
Análisis : En esos tiempos Monet decía que era muy difícil pintar en Londres, por no haber ningún rayo de sol. La contaminación por el smog en esos tiempos era crítico ya que en las orillas del Támesis más o menos 500.000 chimeneas se utilizaban para calefaccionar las casas y el funcionamiento de fábricas. Como consecuencia en 1873 mueren 700 londinenses, pero la “niebla” se acabó a principios del siglo XX. Monet pensó en que en el futuro esto importaría demasiado y quiso darlo a conocer con sus pinturas que claramente demuestran una condición de vida que era indigna.
Comentario: Yo creo que al igual que en la obra anterior el autor trató de que los que vean la obra tomen conciencia. Esta obra tiene un doble sentido ya que mostraba las condiciones en que se vivían en esos años y hacernos tomar conciencia a nosotros que seguimos contaminando y destruyendo de apoco nuestro planeta. En la obra además muestra como la ciencia “industrial” o “moderna” destruye a la ciencia milenaria que es la ciencia Natural. Aprendí mucho de la pintura impresionista, como que se basaba en la luminosidad y los efectos que producía esta en su ambiente.
Mi opinión sobre las obras de Monet: Creo que es un pintor excelente ya que pudo darle un sentido más natural a las pinturas de ese tiempo (ya que practicaba la pintura al aire libre). He visto muchas de sus obras y me gustan demasiado por que muchas de ellas muestran la naturaleza y al hombre complementándose entre sí para formar hermosas obras de arte en las que predomina la luminosidad y la interacción de la luz en objetos.

Fvaldes-3a-2009

domingo, marzo 15, 2009



Esta obra fue creada por el autor Salvador Dali el año 1925 con un estilo realista en cual lo representaba mejor y fue pintada con una tecnica de oleo sobre carton piedra . Sus medidas originales son 105 x 74,5 cm. y se conserva en el museo Reina Sofía de Madrid – España.
Esta obra pertenece a la etapa formativa de Dalí, cuando el artista tenía veinte años y no había influido el surrealismo en su vida de manera apreciable en la pintura.
Dalí es conocido por sus espectaculares y oníricas obras surrealistas, como artista es extremadamente imaginativo ya que manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública.
Como análisis de la obra, esta representa a la hermana del artista, Ana María, a la edad de diecisiete años, asomada a la ventana de espaldas, en la casa de vacaciones que la familia Dalí poseía en Cadaqués, a la orilla del mar. La idea de Dalí es crear un trabajo de gran uniformidad cromática y sencillez en la composición, donde la muchacha nos introduce en el paisaje que ella contempla. Los colores que podemos apreciar son los azules, al igual que algunas obras de Picasso, como detalles, la muchacha sufre algunas desproporciones notables, como es el caso de sus pies, La hermana de Dalí aparece en otros cuadros contemporáneos y posteriores al del pintor, esta exposición del autor fue en la galería Dalmua de Barcelona, en Noviembre de 1925. Pero no olvidemos que esta obra original de Dalí, fue luego una replica del trabajo mas reciente del pintor Antonio Meléndez.
Mi comentario acerca de esta obra es que en ella claramente podemos apreciar como es la creación del arte de Dalí con el estilo surrealista en sus obras, además que sus detalles hacen de esta que uno se involucre mas allá de solo verla y/o analizarla, eso es lo que llama la atención del estilo que involucra a la vida de Dalí.

Scaballos-3a-2009

viernes, marzo 13, 2009






El autor de esta obra es Doménikos Theotokopoulos mas conocido como el Greco, su estilo es el Manierismo, correspondiente a las últimas décadas del Renacimiento, la obra data del año 1607. Esta obra es una de las más importantes de pintor griego y español puesto que vivió en esta ciudad durante su estancia en España. Esta pintura fue trabajada con óleo sobre lienzo.Se pueden diferenciar varios edificios, palacios y una multitud de casas, un puente, que se ve entre montañas y vegetación. El palacio lo represento de manera diferente a la original de su verdadera ubicación, pero fielmente representa el castillo de San Servando a la izquierda. Por debajo de él, están representados otros edificios, quizá inventados por el pintor. A la derecha se ve el Alcázar y la catedral con su campanario; en el centro se ve el corte del Tajo, atravesando el puente de Alcántara. Los monumentos están iluminados por una luz fantasmagórica que retrata sus perfiles nítidamente. Se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos, donde se exhibe con el título View of Toledo.


Mhernández-3a-2009

jueves, marzo 12, 2009

Hombre de Vitruvio

HOMBRE DE VITRUVO
Leonardo Da Vinci
Renacimiento 1490
Historia de la obra: Fue creada gracias a Marcus Vitruvio Pollio quien pidió a Leonardo da Vinci aquel dibujo para la portada de un libro, el cual hablaba de las proporciones del cuerpo, fue pedido a mediados del año 1492.
A los filósofos del renacimiento pensaron que “El hombre era el centro del universo”
El Hombre de Vitruvio fue de gran importancia para la humanidad ya que fue como comenzó la libertad de pensamiento en los humanos. Comentar un pensamiento erróneo o negativo para las cruzadas podía significar la muerte de la persona, si ese pensamiento llegaba a manos equivocadas.
Fue un logro muy importante para el renacimiento.

Comentario Personal: Lo interesante de la obra “El hombre de Vitruvio” es que Leonardo da Vinci realizo varias mediciones en sujetos vivos y concluyo que el centro del cuerpo no era el ombligo, sino que eran los genitales, lo cual fue un hecho muy importante para el Renacimiento.

OSalhus M. Curso: 3ºA- 30-04-2009


Leonardo da Vinci fue un pintor florentino y polímita
A la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto,
También muestra al hombre en el centro de toda nuestra existencia
Planteado por charles Darwin
En la obra se encuentra un circulo al rededor de el eso representaría al universo
Lo que está en el cuadro representa a la tierra
(Homocentrismo)
Leonardo da vinci logro expresar la ciencia en el arte y la obra que tiene
Gran prestigio y es la mas transcendental arte-ciencia
Es el hombre de Vitrubio
Donde el ingresa algo tan natural, biológico como el cuerpo humano
Plasma la anatomía del cuerpo humano en una obra de arte.

Falvarez-3a-2009

El Hombre de Vitrubio es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1492 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitrubio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas. Leonardo da Vinci realiza una visión del hombre como centro del Universo al quedar inscrito en un círculo y un cuadrado. El cuadrado es la base de lo clásico: el módulo del cuadrado se emplea en toda la arquitectura clásica, el uso del ángulo de 90º y la simetría son bases grecolatinas de la arquitectura. En él se realiza un estudio anatómico buscando la proporcionalidad del cuerpo humano, el canon clásico o ideal de belleza. Vitrubio tuvo escasa influencia en su época pero no así en el renacimiento.

En la actualidad forma parte de la colección de la Galería de la Academia de Venecia .El cuadrado está centrado en los genitales, y el círculo en el ombligo. La relación entre el lado del cuadrado y el radio del círculo es la razón áurea. En el recién nacido, el ombligo ocupa una posición media y con el crecimiento migra hasta su posición definitiva en el adulto.
Comentario
El hombre de Vitrubio es un claro ejemplo del enfoque globalizador de Leonardo que se desarrolló muy rápidamente durante la segunda mitad de la década de 1480. Trataba de vincular la arquitectura y el cuerpo humano, un aspecto de su interpretación de la naturaleza y del lugar de la humanidad en el "plan global de las cosas". En este dibujo representa las proporciones que podían establecerse en el cuerpo humano. Para Leonardo, el hombre era el modelo del universo y lo más importante era vincular lo que descubría en el interior del cuerpo humano con lo que observaba en la naturaleza. El dibujo también es a menudo considerado como un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto. Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de los brazos y piernas crea realmente dieciséis posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobre impreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de gravedad verdadero, permanece inmóvil.
MJbravo-3a-2009

El hombre de vitruvio.

Nombre de la obra: El hombre de Vitruvio.

Autor: Leonardo da Vinci.

Periodo: Renacimiento.

Historia de la obra: El hombre de Vitruvio es una famosa obra, que muestra la anatomia de un cuerpo humano. Fue realizada en el año 1492, hecha con lápiz y tinta y sus medidas son 34,2 x 24,5 cm en uno de los diarios de da Vinci.
Esta obra fue realizada por da Vinci a petición del arquitecto Marcus Vitruius Pollio, al cual se debe el nombre de la obra.

Comentario: Mi apreciación sobre esta obra tiene directamente relación con el aspecto científico ya que se puede apreciar el cuerpo de un hombre desnudo dentro de un cuadrado y posteriormente de un círculo con sus medidas perfectas, según la apreciación científica de Vitruvio el cuerpo humano se divide en dos mitades por los genitales y el ombligo determina la mitad del cuerpo.
Otro punto de vista para encontrarle el lado científico a esta obra es la perfección con la que son determinadas las medidas, ya que la ciencia es el arte de la perfección y en la obra se representa de la siguiente manera: 4 dedos hacen una palma y 4 palmas hacen un pie, 6 palmas hacen un codo, 4 codos hacen la altura del hombre, 4 codos hacen un paso y 24 palmas hacen un hombre, además si se combina la posición de los brazos y de las piernas, se forman dieciséis posiciones distintas.

Gsilva-3a-2009



miércoles, marzo 11, 2009

-Nombre de la obra: los proverbios flamencos
-Autor: Pieter Brueghel el viejo
-Estilo: manierismo
-tecnología: óleo sobre madera
-año de creación: 1559
-periodo: renacimiento
Historia y análisis
Los proverbios eran populares en el tiempo de Brueghel, se publicaron una serie de colecciones, incluida una famosa obra de Erasmo. además Frans Hogenberg produjo un grabado que mostraba unos 40 proverbios alrededor del año 1558 y el mismo pieter Brueghel había pintado una colección de Doce proverbios en unas tablas individuales en 1558, como por ejemplo “El pez grande se come al chico” en el año 1556, pero se cree que los proverbios flamencos es la primera pintura a gran escala sobre este tema.
Comentarios: si hay algo que se pueda destacar entre las pinturas creadas por Pieter Brueghel trata de temas absurdos, debilidades y locuras humanas. Mediante análisis históricos se determinó que su objetivo no era plasmar los proverbios sino mas bien era mostrar un estudio que realizó sobre la estupidez humana. Muchas figuras representadas en blanco representan al tonto ya que Brueghel mediante este color representaba la estupidez.
En esta pintura de igual forma saliéndonos del motivo por el que fue creada podemos destacar el uso de la ciencia enfocada en las matemáticas precisamente en la perspectiva utilizada para crear la obra en cuestión.
ARIEL QUINTEROS 3ºA

Frida Kahlo

Pablo Burchard...primer premio nacional de artes